https://virgool.io/feed/@Shoukart شوکارت محفلی متشکل از ایده ، خلاقیت و نوآوری است.به آفرینش رویاها می پردازیم و از رنگ و لعاب در کنار دانش تئوری استفاده می کنیم و به زندگیمان رنگ و بوی تازه می بخشیم. fa 2026-04-15 01:33:03 https://files.virgool.io/upload/users/1790194/avatar/OZdgDY.jpg?height=120&width=120 https://virgool.io/@Shoukart https://virgool.io/@Shoukart/%DA%A9%D8%A7%D9%84%DB%8C%DA%AF%D8%B1%D8%A7%D9%81%DB%8C-%DA%86%DB%8C%D8%B3%D8%AA-ot7kjb8roant کالیگرافی یا خوشنویسی یکی از انواع هنرهای بصری است که با نوشتار در ارتباط است و پس از به وجود آمدن خط وارد دنیای ما شد. کالیگرافی باعث دگرگونی دنیای خط شد.کالیگرافی اصطلاحی غربی است که در توصیف هنر خوشنویسی به کار می‌رود. از این رو این هنر در سراسر دنیا با این نام شناخته می‌شود. واژه‌ی کالیگرافی (Calligraphy) به معنای هنر زیبانویسی است. این واژه ریشه‌ی یونانی (از یونانی:καλλιγραφία) دارد و از دو بخش کالوس (kallos) به معنی زیبا و گرافاین (graphein) به معنی نوشتن تشکیل شده است. واژه‌ی ‌کالیگرافی به دانش درست‌نویسی شکل کلمات نیز گفته می‌شود.منظور از کالیگرافی، نوع خاصی از نوشتن است که در آن خط‌ها با هم طلاقی دارند و نوعی کمپوزسیون خط (ترکیب بندی) است. به طور کلی این هنر از کنار هم قرار دادن هوشمندانه و تطابق نقاشی و خطاطی حاصل میگردد. در این هنر خاص، بیش از هر چیزجنبه‌ی بصری خط است که مورد توجه می‌باشد. هنر کالیگرافی باید قادر باشد با چشمان بینندگان ارتباط برقرار کند. برای نوشتن کالیگرافی از یک نوع قلم خاص که در خود جوهر را نگه می‌دارد استفاده می‌شود و کالیگرافیست می‌تواند بههر صورتی که بخواهد آن را روی کاغذ پخش کند و طرح دلخواه خود را طراحی کند. شاید جالب باشد که بدانید به نقاشی خط و سایه زدن نیز کالیگرافی می‌گویند البته خط نقاشی گونه‌ای متفاوت از آن است. همچنین تایپوگرافی هم مجزا از کالیگرافی شناخته می‌شود.در کالیگرافی فارسی فونت‌های قدیمی و زیبایی مثل نستعلیق و ثلث به کار برده می‌شود. ایجاد سایه برای این فونت‌ها، جذابیت کار را دوچندان می‌کند. نقاشیخط قابل اجرا بر روی هر فونتی می‌باشد.پ.ن: نقاشیخط (خوش‌نگاشت، نقش‌نوشت، نقش خط، نوشت‌نگار) شیوه‌ای است در نقاشی مدرن و خوشنویسی معاصر ایرانی که به تدریج در دهه ۱۳۳۰/۱۳۴۰ خورشیدی توسط برخی از خوشنویسان و نقاشان ایرانی شکل گرفت. این هنر تاکنون به حیات خود در عرصه هنر معاصر ادامه داده و در بسیاری از کشورهای منطقه نیز پیروانی یافته‌است. آنان به ترکیبی از خطاطی و نقاشی دست زدند از این رو به این شیوه گاهی خطاشی و خط نقاشی هم می‌گویند.تفاوت تایپوگرافی و کالیگرافی و نقاشی خطنقاشی خط، گونه‌ای متفاوت از کالیگرافی است و همچنین حروف‌ نگاری (تایپو گرافی) هم مجزا از کالیگرافی شناخته می‌شوند. در برخی آثار تایپوگرافی از تکنیک‌ها و یا ابزار کالیگرافی استفاده می‌شود. اما کالیگرافی نوعی نقاشی است که در آن خطوط با یکدیگر برخورد دارند و در واقع نوعی کمپوزسیون خط است و هنرمند اشکالی بوجود می‌آورد که زیباست. همان طور که پیش‌تر گفتیم کالیگرافی به هنر نوشتن گفته می‌شود و نوعی ترکیب خطوط و خوشنویسی است. طراح و هنرمند سعی میکند اشکال زیبا را ایجاد کند. به عبارتی حروف از ابتدای نوشته شدن تا پایان به همان سبک باقی می‌مانند.ساختار اصلی تاپیوگرافی حروف و متون هستند و از فونت‌های آماده و با تغییرات کلی یا جزئی برای زیبایی بیشتر استفاده می‌شود که در همه‌ی زبان‌ها از جمله فارسی و انگلیسی می‌تواند وجود داشته باشد.در اصل کالیگرافی نوعی نقاشی است که در آن خطوط با یکدیگر برخورد دارند. در ایران تقریبا ۹۹% کالیگرافی را به عنوان سایه زدن، متنها به صورت حرفه‌ای که باعث سه بعدی دیدن آن می‌شود، می‌شناسند.آموزش کالیگرافی و وسایل مورد مصرفکالیگرافی یک هنر قدیمی محسوب می‌شود که در این هنر سایه زدن روی فونت انجام می‌گیرد. موضوع مهم در این هنر سایه زدن پیچیدگی و کش و قوس‌ها می‌باشد. به طوری که فرد کالیگراف کار، کلمات را مانند یک طناب یا روبان که پیچ خورده است در نظر می‌گیرد و آن قسمت‌هایی که پیچ خورده را سایه می‌زند تا مانند حالت سه بعدی شود. برای اینکه متن زیباتر نشان داده شود نیز از تصاویری که تکسچر نام دارد استفاده می‌کنیم که داخل متن واقع می‌شود.پارامترهای مختلفی بر نتیجه‌ی نهایی کار خوشنویس تأثیر می‌گذارند. پارامترهای فیزیکی شامل شکل، اندازه، کشش و نوع مو قلم مو می‌باشند. از دیگر پارامترهای مهم می‌توان به رنگ، تراکم رنگ و چگالی آب جوهر و همچنین سرعت جذب آب و بافت سطح کاغذ اشاره کرد. تکنیک خوشنویس نیز در نتیجه تأثیر می‌گذارد، زیرا شکل شخصیت‌های تمام شده تحت تأثیر مقدار جوهر و آبی است که خوشنویس اجازه می‌دهد قلم مو را بگیرد و فشار، شیب و جهت قلم مو را تحت تأثیر قرار می‌دهد. تغییر این متغیرها باعث ایجاد ضربات ضخیم‌تر و حاشیه‌های صاف یا دندانه‌دار می‌شود.از این هنر زیبا در موارد مختلف مانند تابلوهای لوکس، قالب دعوت‌ها، تایپوگرافی، طراحی لوگو، تصاویر متحرک برای فیلم‌ها و... استفاده می‌شود.ابزار:ابزار اصلی یک خطاط قلم و قلم مو است. نوک قلم‌های خوشنویسی ممکن است صاف، گرد یا تیز باشد. برای برخی اهداف تزئینی، می‌توان از قلم‌های چند لبه‌ای - برس‌های استیل - استفاده کرد. با این حال، آثاری با نوک نمدی و خودکار نیز ایجاد شده‌اند، اگرچه در این آثار از خطوط زاویه‌دار استفاده نمی‌کنند. در برخی از سبک‌های خوشنویسی، مانند خط گوتیک، از قلم‌های شیب‌دار استفاده می‌کنند. جوهر نوشتاری معمولاً بر پایه‌ی آب است و چسبندگی آن بسیار کمتر از جوهرهای روغنی است که در چاپ استفاده می‌شود.کاغذ خاص با جذب جوهر بالا و بافت ثابت، خطوط تمیزتر را می‌سازد.اگرچه غالباً از پوست استفاده می‌شود، اما می‌توان از چاقو برای پاک کردن عیوب استفاده کرد.قلم‌های متداول خوشنویسی عبارتند از: قلم پر، آغوش قلم، برس جوهر، قلم خودنویسبرای اطلاع از شرایط و نحوه ثبت نام دوره کالیگرافی به وبسایت شوکارت مراجعه کنید. شوکارت شوکارت Thu, 17 Aug 2023 16:12:53 +0330 https://virgool.io/@Shoukart/%D8%B1%D8%A7%D8%A8%D8%B1%D8%AA-%D8%B1%D8%A7%D8%B4%D9%86%D8%A8%D8%B1%DA%AF-ei4o0qiczzgh در این مقاله از شوکارت قصد داریم سری به دنیای خلاقانه راشنبرگ بزنیم. کمی در مورد او بگوییم و آثار هنری معروفش را مورد بررسی قرار دهیم.رابرت راشنبرگ در طول نیم قرن فعالیت‌های هنری خود، به دنبال پر کردن فاصله بین هنر و زندگی بود. باید بدانید که در مسیر، توانست بسیار موفق عمل کند. در گنجینه موزه هنرهای معاصر، می‌توان به خوبی شاهد تلفیق میان زندگی و هنر بود. با دیدن ترکیب‌های خلاقانه او، شاهد مواد و اشیاء نارایج و غیرسنتی خواهیم بود. جالب است بدانید که شهرت رابرت راشنبرگ به دلیل استفاده از همین مواد و اشیاء نارایج و غیرسنتی است.بیایید کمی عمیق‌تر در زندگی وی غرق شویم:مروری کوتاه بر زندگینامه رابرت راشنبرگ؛ ارتباط او با هنر معاصرراشنبرگ متولد 22 اکتبر 1925 است. گرافیست و نقاش آمریکایی که فعالیت‌های متعددی در جنبش‌های مقدماتی پاپ آرت (نئو دادا) داشت. وی در 83 سالگی، در 12 ماه می 2008 بر اثر ایست قلبی در گذشت.معروفیت او بیش‌تر به خاطر ترکیب‌ها و کولاژهای راشنبرگ در دهه 50 بود. او روشی را پیاده‌سازی کرد که تا از قبل از آن، رایج نبود. آثار او به گونه‌ای هستند که می‌توان آن‌ها را در مرز بین مجسمه و نقاشی قرار داد. راشنبرگ در نیویورک کار و زندگی می‌کرد و توانست جایزه ملی هنر را در سال 1993 از آن خود کند.اولین نمایشگاه انفرادی راشنبرگ در گالری بتی پارسونز در سال 1951 برگزار شد. دومین نمایشگاه وی نیز در گالری چارلز ایگان، در سال 1954 بود. یکی از اولین و معروف‌ترین ترکیب‌های وی به نام "رختخواب" در سال 1955، در همان نمایشگاه به نمایش درآمد.برخی از معروف‌ترین آثار هنری او را می‌توان در موزه‌های هنرهای معاصر لس آنجلس، استکهلم، مجموعه هنری جورج پامپیدو در پاریس، موزه پگی گوگنهایم در ونیز و همچنین موزه گوگنهایم بیل بائو مشاهده کرد.او هم اکنون به عنوان اولین هنرمند آمریکایی شناخته شده است که موفق شد جایزه "گرند" بی‌ینال ونیز را دریافت کند.بررسی دستاوردهای هنری رابرت راشنبرگ، خلق آثاری منحصر به فرد با سیلک اسکرین، ترکیب و تلفیق مواد و …همان طور که در مقدمه هم گفتیم رابرت راشنبرگ همواره در جهت پر کردن فاصله بین هنر و زندگی، تلاش می‌کرد. در آثار هنری خود، تفاوت میان اشیاء روزمره و اشیاء هنری را به سؤال گرفته است. این عملکرد وی، ما را به یاد چشمه‌ مارسل دوشان، پیشگام سبک دادائیست می‌اندازد.از معروف‌ترین آثار وی، می‌توان به اثر"طراحی پاک شده دکونینگ" اشاره کرد. وی با پاک کردن یکی از طراحی‌های دکونینگ در سال 1953، به دنبال ارائه یک بیانیه هنری بود. آثار راشنبرگ در سال 1962 دچار تحول شد. این تحول مربوط به استفاده از عکس‌های یافته شده در کنار شی یافته بود. رابرت راشنبرگ با استفاده از سیلک اسکرین (تا پیش از این، این ابزار تنها برای تبلیغات استفاده می‌شد)، این عکس‌ها را بر روی بوم منتقل می‌کرد. با استفاده از این روش، موفق شد که باز تولیدی چندگانه و چندباره از عکس‌ها داشته باشد.همان طور که می‌بینید راشنبرگ در طول دوران فعالیت خود، تحول چشمگیری در هنر معاصر ایجاد نموده است.وی پس از دعوت ناسا، با استفاده از تکنیک چاپ سنگی، سری آثار ماه سنگی را خلق نمود. در این سری، راشنبرگ عکس‌هایی از رسانه‌های دیگر را با نمودارها و جدول‌هایی از آرشیو ناسا تلفیق نمود.علاوه بر این‌ها، رابرت راشنبرگ در زمینه چاپ روی بافت‌ها و تکنیک انتقال حلال‌ها نیز تجربه‌های متعددی داشت. از جمله آثاری که با استفاده از این تکنیک‌ها خلق شد، می‌توان به مجموعه "گسترش‌ها" و "برفک و کپک" اشاره نمود.تجربیات او در زمینه چاپ‌های سیلک اسکرین رنگینی نیز در کارهای دیواری و زمینی، به کار گرفته شد.بررسی نقاشی های سیاه، سفید و قرمز رابرت راشنبرگ و آثار ترکیبی ویدر سال 1953، وی سنت نقاشی‌های تک رنگ را پیش گرفت و نقاشی‌های سفیدش را به وجود آورد. هدف وی در این نوع از آثار خود، کاهش نقاشی به عناصر ضروری طبیعت بود. بیننده‌ها با دیدن این آثار، به سمت تجربه نمودن عناصر خالق راهنمایی می‌شدند.راشنبرگ این مدل از آثار خود را این گونه توصیف می‌کند:محیط اطراف است که بر روی این آثار، اثر می‌گذارد. به عنوان مثال، با مشاهده نمودن آن‌ها و دیدن انعکاس تصویر اتاق در آن‌ها، می‌توانید بگویید افراد در اتاق چند نفر هستند.در همان سال نقاشی‌های سیاه وی نیز همچون نقاشی‌های سفید او، به صورت تک رنگ بر روی قاب‌های چندگانه خلق شد. البته جالب است بدانید که در این سری از آثار خود، از تکه‌های روزنامه هم استفاده کرده بود.او در سال‌های 1953 و 1954، کمی از نقاشی‌های تک رنگ سیاه و سفید دور شد و به سمت نقاشی‌های تک رنگ قرمز رفت. در این مجموعه شاهد ترکیب و تلفیق مواد به شکل بسیار زیبایی هستیم. چنان چه آثار با طیف وسیعی از رنگ‌های قرمز خلق شده است، اما مواد دیگری از جمله چوب، میخ و روزنامه نیز به آثار افزوده شد. این مجموعه را می‌توان در سطح پیچیده‌ای قرار داد. بد نیست بدانید که همین مجموعه، سرآغاز ترکیب‌های مشهور راشنبرگ بود.به این ادعا جالب و خواندنی از راشنبرگ، توجه کنید:می‌خواهم چیزی را خلق کنم که فراتر از آن چه باشد که کاملاً توسط خودم به وجود می‌آید. می‌خواهم در آثار خود، از اعجاب انگیزی و بخشندگی اشیاء یافت شده استفاده کنم. اگر برخی از اشیاء از همان اول، شگفتانه نبودند، قصد داریم با ایجاد تغییراتی، آن‌ها را خارق‌العاده سازم؛ بنابراین باید گفت که به مرور زمان، اشیاء تغییر می‌کنند و تبدیل به چیز جدیدی می‌شوند.این توضیح او نیز، به خوبی بیانگر همان جمله "کم کردن فاصله هنر و زندگی" است.برخی از آثار او در هنر معاصربه عنوان ترکیب‌ها شناخته شده‌اند. آثار ترکیبی او، مرز میان نقاشی و مجسمه‌سازی را در هم می‌ریزند. هر دو در یک اثر هنری، در کنار یکدیگر قرار گرفته و یک اثری هنری واحد را به نمایش می‌گذارند. از آثار ترکیبی او، می‌توان به آثاری همچون چارلن، مجموعه و رختخواب اشاره نمود. در آثار چارلن و مجموعه، از کولاژ و عناصری همچون شال، کمیک استریپ و عناصر معماری از جمله تکه‌های گچ بری استفاده شده است. در اثر رختخواب نیز، مقداری رنگ قرمز بر روی لحاف، چکانده شده است. برخی از منتقدان معتقدند که این اثر، سمبلی از تجاوز و خشونت است.اگر جذب یادگیری هنر رابرت راشنبرگ شده اید، دوره های حضوری shoukart را به شما پیشنهاد می کنیمتا این جا راشنبرگ را شناختید و با آثار و روش کاری او تا حد بسیار زیادی آشنا شده‌اید. اگر علاقه مند به یادگیری هنر وی هستید و دوست داشتید که در این حوزه هنری نیز، دستی داشته باشید، این بخش مختص شماست.گالری شوکارت محفلی است که در آن هنرآموزان مشتاق در کنار مدرسان باتجربه، دستان هنرمند و پرتوان خود را آغشته به هنر می‌کنند و هر یک دنیای جدید و منحصر به فردی از آثار را به نمایش می‌گذراند.ما هم اکنون نیز در کنار شما هستیم. دوره‌ ترکیب و تلفیق مواد مناسب تمامی هنردوستان علاقه‌مند به نقاشی است. یادگیری تلفیق پتینه با نقاشی، نتیجه این دوره خواهد بود. این دوره معروف به سبک شوکارتیسم بوده که در نهایت شما را به جایی می‌رساند که در کمترین زمان و با مهارت و سرعت، آثار خاص و دیدنی را خلق کنید.کلام آخر …در این مطلب از شوکارت، تلاش نمودیم شما عزیزان را با آثار و سبک کاری رابرت راشنبرگ آشنا کنیم. آثار راشنبرگ در هنر معاصر مجموعه‌ای وسیع قرار می‌گیرند که تمامی آن‌ها، بسیار متفاوت، با جسارت و رها خلق شده‌اندهمچنین اگر علاقه‌مند به سبک شوکارتیسم هستید، می‌توانید با انتخاب دوره shoukart، خودتان را در جمع هنرمندانی قرار دهید که به سبک شوکارتیسم، عمل می‌کنند. جدا از این که پیش از این چه تجربه‌ و پیش زمینه‌ای در این حوزه از هنر داشته باشید، باید بدانید که این دوره مناسب شماست. خیالتان آسوده باشد که در کنار مشاوران و مدرسان، در نهایت در این دوره، به دست آوردهای مطلوبی خواهید رسید. شوکارت شوکارت Sat, 14 Jan 2023 14:22:48 +0330 https://virgool.io/@Shoukart/%D8%AA%D8%A7%D8%B1%DB%8C%D8%AE%DA%86%D9%87-%D9%BE%D8%AA%DB%8C%D9%86%D9%87-sfrjrttbvixk کارکردهای پتینه از دیرباز تا کنونپتینه این طور به وجود آمد که در زمان‌های قدیم، اتفاقاتی برای اجسام با سطوح مختلف همچون برنز می‌افتاد. اجسام پس از مدتی حالتی زنگار و کهنه به خود می‌گرفتند و یا حتی خاک و گل و لای در سطح آن‌ها جمع می‌شد. از دید هنرمندان این اتفاقات بسیار جذاب بود. رشته‌ی پتینه این گونه به وجود آمد که هنرمندان اجسامی نو را تهیه کردند و با توجه به دانش رنگ و لایه گذاری رنگ، سعی کردند کاری که زمان روی اجسام انجام می‌داد را به واسطه‌ی هنر و رنگ به وجود آورند. به عنوان مثال مجسمه‌ای خلق کنند که از ساخت آن زمانی نگذشته باشد اما کهنه شده و آنتیک باشد. رفته رفته و به مرور زمان اتفاقات دیگری نیز به پتینه اضافه شد. پتینه در حال حاضر ابعاد مختلفی دارد و می‌توان آن را روی پارچه، مبل، دیوار و اجسام به کار برد. به لحاظ سبکی نیز کارکردهای متفاوتی دارد و در سبک‌های کلاسیک، نئوکلاسیک و سبک‌های مدرن دیده می‌شود. یکی از کارکردهای اصلی پتینه القای حس‌های فیزیکی است. به عنوان مثال به دیواری حس بتن بدهیم در حالی که متریال دیوار بتن نباشد یا به یک مجسمه‌ای حس سنگ سرامیکی بدهیم در حالی که جنس مجسمه سنگ سرامیکی نباشد. پس یکی از اصلی‌ترین کارکردها تغییر جنسیت متریال‌های مختلف است.مردی در هزاره‌ سوم قبل از میلاد این هنر را بر روی مس پیاده‌سازی نمود. این هنر به مرور زمان جاافتاده و هنرمندان دیگر نیز به این موضوع پی بردند که پتینه کاری را می‌توان به عنوان هنری با زیرشاخه‌های متعدد دانست. آثاری که از این هنر به جا مانده است، گویای قدمت چندین و چند ساله‌ی این هنر است. با این حال همچنان نیز شاهد استفاده از این هنر در فضاهای مختلفی از جمله پتینه اجسام، پتینه در دکوراسیون داخلی و … هستیم. سبک‌هایی که در آن از پتینه کاری استفاده می‌شود، امروزه از پرطرفدارترین سبک‌های دکوراسیون داخلی در میان افراد است.از ابزارهایی که تاکنون در پتینه مورد استفاده قرار گرفته است، می‌توان به انواع قلم مو، پارچه‌هایی از جنس مختلف، انواع اسفنج، سنباده زبر و نرم، رنگ پاش، انواع مختلف چسب‌ها، کاردک، تکمیل‌کننده‌ها، اکلیل و … اشاره نمود.استفاده از پتینه تنها به دلیل زیبایی آن نیستاستفاده از پتینه را نمی‌توان تنها به یکی دو مورد محدود نمود. بلکه بر جنبه‌های دیگری از جمله دوام، استحکام و پایداری نیز استوار است. پتینه کاری امروزه با هنرهای دیگری از جمله نقاشی نیز تلفیق شده است. بخشی از انواع پتینه:· پتینه طرح انواع سنگ· پتینه طرح آجر· پتینه طرح چوب· پتینه طرح بتن· پتینه طرح چرم· پتینه طرح کاهگل· پتینه طرح ابر و باد· پتینه موتیف (طلاکاری)· پتینه ورق‌کاری (آبکاری و ...)متریال‌هایی که در دنیای امروز در هنرِ پتینه کاری مورد استفاده قرار می گیرند: تکسچر و …به طور کلی از موادهای زیادی برای ایجاد بافت در سطوح می‌توان استفاده کرد. از این رو به این بافت‌ها تکسچر گفته می‌شود. از انواع این متریال‌ها، می‌توان به موارد زیر اشاره نمود:پتینه کاری با استفاده از خمیر مخصوص:خمیر بسکت، خمیر مورد نیاز پتینه کاری است. این نوع از خمیر انعطاف‌پذیری بالایی داشته و نسبت به دیگر خمیرها دیرتر خشک می‌شود. با استفاده از این خمیر و داشتن مهارت لازم، اشکال و طرح‌های زیبا و خلاقانه‌ای را می‌توان ایجاد نمود. همچنین لازم است بدانید با استفاده از این نوع خمیر، زمان بیشتری برای ایجاد طرح و نقش‌ها لازم است.رنگ پتینه:رنگ پتینه در واقع یک نوع پوشش سلولزی است که طرح و رنگ‌های گسترده‌ای دارد. معمولاً در پتینه دیوار، یک رنگ به عنوان رنگ پس زمینه (رنگ اصلی) استفاده می‌شود که می‌تواند رنگ مشکی، قرمز و … یا کلاً به طور ترکیبی باشد. در کل رنگ‌ها شامل یکی از موارد زیر هستند:· رنگ پلاستیک· رنگ اکریلیک· رنگ و روغنتهیه مواد اولیه پتینه کاری؛ اولین قدم در اجرای رنگ پتینهبرای اجرا نمودن هر نوع پتینه، در ابتدا نیاز به مواد اولیه است. در ابتدا لازم است نوع پتینه و نوع تکنیکی که قرار است با آن کار شود، مشخص گردد. سطح، فضا، اجسام و طرحی که مد نظر است را در نظر گرفته و در ادامه نسبت به تهیه لوازم و متریال مورد نیاز، اقدام می‌شود.تاکنون کمپانی‌های بسیار زیادی دست به تولید متریال‌هایی زده‌اند که در زمینه پتینه کاری مورد استفاده قرار می‌گیرند. این متریال‌ها قابلیت‌های مختلفی دارند و به روند کار مجری آن نیز سرعت می‌بخشد.به طور کلی این را در نظر داشته باشید که از هر وسیله‌ دور ریز مانند تنظیف، سیم، شانه، انواع غلطک‌های طرح‌دار، کیسه و کاغذ برای طرح دادن در پتینه می‌توان استفاده کرد.با استفاده از این روش شما می‌توانید اشیا و وسایل قدیمی و از بین رفته‌ی خود را مجدد بازآفرینی کنید و یا حتی کارکرد و شکل ظاهری آن‌ها را تغییر دهید.در کل پتینه به دو شکل مختلف اجرا می‌شود: نوع مسطح و نوع برجسته (نوع مسطح معمولاً با رنگ انجام می‌شود.)کارکرد پتینه در دنیای امروز چیست؟درست است که پتینه کاری از سال‌ها پیش مورد استفاده قرار می‌گرفت، اما با این حال همچنان در طراحی دکوراسیون داخلی طرفداران بسیار زیادی دارد. باید بگوییم که پتینه تنها در دکوراسیون قدیمی، سنتی و کلاسیک به کار نمی‌رود. امروزه با وجود روش‌های متعددی از پتینه کاری، می‌توان در فضاهای مدرن نیز از پتینه استفاده نمود.پتینه کاری بر روی دیوار، پتینه کاری نمای بیرونی ساختمان‌ها و پتینه کاری بر روی وسایل خانه (پتینه اجسام)، چه در دکوراسیون داخلی و چه در دکوراسیون مدرن قابل پیاده‌سازی است.در گذشته بیش‌تر افراد به دنبال رنگ‌ روغن و پلاستیکی بودند. با شناخته‌تر شدن هنر پتینه کاری، به مرور این هنر جای رنگ‌آمیزی را در بسیاری از خانه‌های ایرانی به خود اختصاص داد. اگر نگاهی به نمونه کارهای پتینه بیندازید، خواهید دید که چه ظاهر دلنشین‌تر و جذاب‌تری به فضا می‌بخشند. امروزه برخی به جای کاغذ دیواری از پتینه برای زیباتر شدن محیط خود استفاده می‌کنند.آن چه که در مورد پتینه کاری؛ این هنر ساده و خلاقانه شرح دادیم …در این مطلب تلاش کردیم در رابطه با پتینه اجسام، دیوار و … اطلاعات کاربردی و کاملی را در اختیارتان قرار دهیم. دانستید که پتینه کاری از دیرباز تاکنون در طراحی دکوراسیون داخلی وجود داشته است. به دلیل تنوع در طرح‌ها و رنگ‌ها، هم اکنون نیز طرفداران بسیار زیادی دارد. انواع پتینه کاری، متریال و ابزار مورد نیاز را شرح دادیم.آن قدر دنیای وسیعی از پتینه‌ها پیش رویتان است که می‌تواند با استفاده از آن، محیط را به راحتی به حالت دلخواهتان در آورید.موسسه هنری شوکارت در دیوان تار و پود، آموزش بسیار کامل و کاربردی در خصوص پتینه برای شما ضبط و تهیه کرده است. با استفاده از این دیوان می‌توانید بی‌حد و اندازه در دنیای پتینه غرق شوید و کارهای بی‌نظیری خلق کنید. شوکارت شوکارت Sat, 31 Dec 2022 14:42:30 +0330 https://virgool.io/@Shoukart/%D8%AA%D8%A7%D8%B1%DB%8C%D8%AE%DA%86%D9%87-%D8%B1%D9%86%DA%AF-%D8%B3%D9%81%DB%8C%D8%AF-gexvgotu7pn3 در تاریخ بشر، رنگ سفید نمادی از خلوص، قداست و پاکی بوده است. در مصر باستان و روم، سفید رنگی بوده که کاهنان آن را برای لباس‌های خود انتخاب می‌کرده و می‌پوشیدند. آن‌ها معابد باستانی را نیز با سنگ مرمر سفید تزیین می‌کردند. همچنین پاپ مسیحیت از سال ۱۵۶۶ لباس سفید را به عنوان نمادی از پاکی و فداکاری می‌پوشید. همانطور که می‌دانید زائران در اسلام و همچنین زائران در مذهب شینتو ژاپن نیز در مراسمات خود لباسی به رنگ سفید می‌پوشند. سفید، رنگی ذاتاً مثبت است و از معانی مختلف آن می‌توان به پاکی، معصومیت، نور، خوبی، بهشت، درخشندگی، روشنایی، درک، پاکیزگی، ایمان، آغاز، معنویت، فروتنی، اخلاص، محافظت و کمال اشاره کرد. در گذشته رنگ سفید در لباس و البته پوست بدن نشان‌دهنده ثروتمند بودن و مربوط بودن به طبقه اشراف بود!این‌ها فقط چندین نمونه از استفاده‌هایی است که از رنگ سفید می‌شود. با شوکارت همراه باشید تا تاریخچه رنگ سفید را به صورت تخصصی‌تر با یکدیگر بررسی کنیم.رنگ سفید یکی از اولین رنگ‌هایی بود که در هنر استفاده شد. هنرمندان در قرن ۱۵ توانستند رنگ سفید خود را با استفاده از آهک، کلسیت یا گچ خلق کنند. در سال ۱۶۶۰، آیزاک نیوتن، فیزیکدان و ریاضیدان انگلیسی، مجموعه‌ای از آزمایشات را با نور خورشید و منشورها آغاز کرد. او توانست ثابت کند که نور سفید شفاف از هفت رنگ مرئی تشکیل شده است. می‌توان گفت نیوتن کاشف رنگ سفید است! از نظر فنی، سفید خالص عدم وجود رنگ است. به عبارتی دیگر، شما نمی‌توانید رنگ‌ها را برای ایجاد کردن رنگ سفید ترکیب کنید. بنابراین، دقیق‌ترین معنایی که می‌توانیم برای رنگ سفید به کار ببریم، نبود رنگ است.رنگ سپید رنگی تابستانی به حساب می‌آید. زیرا سفید نور را منعکس می‌کند و همچنین از گرم شدن جلوگیری می‌کند. رنگ سفید در دکوراسیون و مد لباس بسیار زیاد کاربرد دارد زیرا این رنگ، رنگی ملایم و خنثی است و از طرفی دیگر با همه چیز تناسب دارد. از آنجایی که رنگ سفید، روشن است، آلودگی روی آن به وضوح معلوم می‌شود.در فیزیک، هر رنگی، نور مرئی با طول موج مشخص است. سیاه و سفید رنگ نیستند زیرا طول موج خاصی ندارند. در عوض، نور سفید شامل تمامی طول موج‌های نور مرئی است. از سوی دیگر، سیاه عدم وجود نور مرئی است.جالب است بدانید رنگ سفید دارای درجه بندی است و سفیدترین سفید در تاریخ با خلوص ۷۰درصد است.چند نکته در مورد رنگ سفید از نگاه شوکارت:رنگ سفید، به یک تابلوی نقاشی خالی می‌ماند که هر هنرمند با سلیقه‌ای می‌تواند آن را به هر شکل که میخواهد نقاشی کند.رنگ سفید را می‌توانید در فضا به خصوص برای پوشش‌های اصلی، به کار بگیرید. این رنگ باعث می‌شود مکان شما روشن‌تر و بزرگتر جلوه کند؛ در نتیجه انتخاب رنگ سفید برای فضا‌های کوچک و کم نور انتخاب ایده آلی به نظر می‌رسد.دیوار یکدست سفید، خنثی و حتی گاهی کسل کننده است و هیچ ایده‌ی خلاقانه‌ای ندارد. با ترکیب کردن سایه‌های صورتی، سبز، آبی، زرد یا مقداری رنگ نارنجی با سفید، می‌توانید زیبایی آرامش بخشی را به مکان خود اضافه کنید.در نظر داشته باشید که اتاقی که کاملا سفید نقاشی شده است، ممکن است جادار و بزرگ به نظر آید، اما احساسی مانند خالی و سرد بودن به مکان می‌دهد.سفید خالص هنگامی که با نور طبیعی نورپردازی می‌شود، یک رنگ گرم را برای مخاطب ایجاد می‌کند، اما در زیر نور‌های مصنوعی سرد به نظر می‌رسد.برای حفظ آرامش در فضایی با سطوحی که به رنگ سفید هستند، می‌توانید از لوازمی با رنگ‌های خنثی و بافت‌های طبیعی مانند چوب استفاده کنید. برای ایجاد تضاد‌های ظریف و زیبا نیز، تعدادی رنگ‌های دراماتیک به این ترکیب اضافه کنید.به طور کلی می‌توانیم بگوییم قانونی برای استفاده از رنگ سفید در دکوراسیون وجود ندارد و در هر جایی می‌توان آن را به کار گرفت. رنگ سفید کاملا یک رنگ، دلنیشین است.پس زمینه، بهترین مکان استفاده از رنگ سفید است؛ مانند وقتی که می‌خواهیم تابلویی هنری را به نمایش بگذاریم و یا به مبل‌های رنگی خود جلوه بدهیم، بهتر است دیوار‌ها سفید باشند. هر چه تضاد رنگ تابلو‌هایی که در فضا قرار می‌دهید با پس زمینه بیشتر باشد، زیباتر خواهد بود و بیشتر جلوه می‌کند.برخلاف رنگ سیاه که جاذب همه رنگ‌ها است، سفید همه رنگ‌ها را پس می‌زند و ترکیب این دو تضادی زیبا و خیره کننده را برای مخاطب به وجود می‌آورد.به کار بردن مبلمان سفید در خانه و یا کلا دکوراسیون داخلی به رنگ سفید به ما این آزادی عمل را می‌دهد که بتوانیم هر رنگ دلخواهی را در کنار آن قرار بدهیم. زیرا رنگ سفید با همه رنگ‌ها قابل ترکیب می‌باشد و می‌تواند به راحتی با هر رنگی ست شود.آزادی عمل ما در برابر رنگ سفید به حدی است که حتی می‌توانیم از چند رنگ با طیف‌های متفاوت در کنار رنگ سفید استفاده کنیم و به کمک این رنگ خنثی هم نشینی آن‌ها را تثبیت کنیم. شوکارت شوکارت Thu, 27 Oct 2022 10:54:16 +0330 https://virgool.io/@Shoukart/%D8%B4%DB%8C%D8%B1%DB%8C%D9%86-%D9%86%D8%B4%D8%A7%D8%B7-mxrzoc20og7h در این مقاله از شوکارت قصد داریم هنرمند معروف دیگری در سطح بین‌المللی را به شما معرفی کنیم و آثار او را مورد بررسی قرار دهیم. هنرمندی که از آن صحبت می‌کنیم، زنی توانا از ایران است که در میان هنرمندان جهان، حرفی برای گفتن دارد.شیرین نشاط متولد ۱۳۳۶ در قزوین و فارغ التحصیل هنر از دانشگاه کالیفرنیای برکلی آمریکا است. عمده توجه شیرین نشاط بر مسائل و مشکلات یک زن و مخصوصا یک زن ایرانی است. از شیرین نشاط می‌توان به عنوان یک هنرمند، عکاس و کارگردان نام برد. عمده آثار نشاط از وقایع دوران معاصر ایران الهام گرفته شده است.از مشهورترین مجموعه‌های شیرین نشاط که هم باعث معروفیت او شد و هم انتقادها و مخالفان زیادی را در پی داشت، مجموعه‌ی زنان خدا است.زنان خدا، مجموعه عکس‌هایی است که توسط شیرین نشاط ثبت شده. عکس‌هایی از چهره، دست و پاهای زنان که خط به زبان فارسی که روی بدن‌ها حک شده است در آن به چشم می‌خورد. در انتهای این مقاله که توسط تیم شوکارت برای شما تهیه شده است، به تحلیل این مجموعه عکس خواهیم پرداخت.همانطور که گفتیم، شیرین نشاط در کارگردانی نیز حرفی برای گفتن دارد. از فیلم‌های اثرگذاری که او از خود به جا گذاشته است می‌توانیم زرین، زنان الله، در جستجوی ام کلثوم، مهدخت و ... را نام ببریم.زنان خدا یا زنان الله، به دوران انقلاب ایران تعلق دارد.این زن توانا و هنرمند ایرانی برنده جوایز متعدد بین‌المللی نیز شده است. تندیس شیر نقره‌ای بهترین کارگردانی برای فیلم زنان بدون مردان سال ۲۰۰۹ در شصت و ششمین جشنواره بین‌المللی ونیزو جایزه بنیال گوانگجو در سال ۱۳۷۹، از دو افتخار بزرگی است که این بانوی ایرانی به دست آورده است.فیلم زنان بدون مردان، روایتی از کودتای ۲۸ مرداد سال ۱۳۳۲ است.همچنین شیرین نشاط، این زن ایرانی هنرمند، در سال ۲۰۱۴ توانست به عنوان یکی از داوران جشنواره بین‌المللی فیلم برلین برگزیده شود.دامنه توانایی‌های شیرین نشاط به اینجا محدود نمی‌شود، او در کنار عکاسی‌های خود به ویدئو آرت و چیدمان ویدئویی نیز علاقه‌مند بود و توانست در این زمینه نیز آثار قابل توجهی ارائه دهد. نگاه فلسفی و شاعرانه او نسبت به زن در چیدمان ویدئویی سه گانه عصیانگر جذبه و اشتیاق، کاملا قابل مشاهده است.از جدیدترین پروژه‌های شیرین نشاط می‌توان سرزمین رویاها را نام برد که در سال‌های ۱۳۹۸ و ۱۳۹۹ در گالری‌های جهان به نمایش گذاشته شد. سرزمین رویاها، بازتابی از تنش‌های ایران و آمریکا را به تصویر می‌کشد. این فیلم در ایالت نیومکزیکوی آمریکا فیلم‌برداری شده است. طبیعت آن‌جا، تداعی کننده بیابان‌های ایران است. مکان جغرافیایی این اثر در ابتدا برای بیننده روشن نیست.سیمین، شخصیت اصلی در فیلم سرزمین رویاها، یک عکاس ایرانی مهاجر است.او پرتره‌های آمریکایی را با پیشینه‌های متفاوت از نیومکزیکو تا کالیفرنیا، سرخ پوست و سفید پوست، زن و مرد، پیر و جوان به تصویر می‌کشد و به گردآوری آن‌های می‌پردازد. سیمین نه تنها پرتره‌های این افراد بلکه رویاهای آنها را عکاسی‌ می‌کند و در نهایت این دنیای رازآلود و استعاره را که با عکاسی سیاه و سفید مزین است به پایگاه ایرانی خود منتقل می‌کند. این تصاویر، آمیزه‌ای است از اسرار، طنز، جاسوسی، استعاره و رازآلودی ممتد باهم که در ویدئو سرزمین رویاها تنیده شده است که سویه‌های بیزاری و نفرت از جنگ نیز در آن به وضوح دیده می‌شود. از زاویه زییایی شناسی این اثر با پرداختی سیاه وسفید، استفاده از لنزهای مختلف و جاده های پر پیچ خم است که ببینده را ناخودآگاه به یاد آثار عباس کیارستمی می‌اندازد و طبیعت صحرایی که نقطه مشترک طبیعت هر دو کشور است دست خط نشاط را با خود حمل می‌کند. همچنین این سیاه و سفیدی قادر است نگاه خاکستری مردمانی را که صدا ندارند و کسانی که از جنگ، ویرانی و پیامدهای آن به جان آمده‌اند را به خوبی به تصویر بکشد.یکی از نکاتی که در آثار شیرین نشاط بسیار مورد توجه او قرار گرفته است و به چشم می‌آید، توجه به خط زبان فارسی است. این توجه، نشان از علاقه او به هویت و آثار ایرانی است. او با نشان دادن خط زبان فارسی می‌خواهد زیبایی‌های فرهنگ ایران را به مردم جهان معرفی کند. در لابه‌لای نوشته‌ها و نقش نگاره‌هایی که روی دست و پای زنان ترسیم شده است اشعاری از شاهنامه به چشم می‌خورد.حلقه‌ای که همه آثار این هنرمند را به هم پیوند می‌دهد، موضوع هویت، جنسیت و تبعید است. تبعیدی که شیرین نشاط آن را به تصویر می‌کشد می‌تواند درونی یا بیرونی، خواسته یا ناخواسته باشد.مجموعه زنان خدامجموعه زنان خدا، اثری از شیرین نشاط بود که او را به شهرت رساند. همچنین این مجموعه انتقادهای بسیاری را نیز در پی داشت.طی سفری که او در سال ۱۹۹۰ به ایران داشت، با فلسفه شهادت آشنا شد. به تصویر کشیدن مجموعه عکس‌های زنان خدا با پردازش زیباشناسی که به همراه داشت، در حالی که زنان سکولار و غیرمذهبی زیادی از فضای عمومی ایران در دهه اول انقلاب و با زور حکومت حذف شده بودند، این تصور را به وجود آورد که این‌ها سمبل زن ایرانی هستند. سیل انتقادها به شیرین نشاط نیز از همین‌جا شروع شد.او می‌گوید، برای بسیاری سوءتفاهمی به وجود آمد که من قصد دارم ایران را این گونه به جهانیان نشان دهم و خشونت را توجیح کنم، در حالی که قصد من فقط به تصویر کشیدن تنها بخش کوچکی از زنان مذهبی بوده است.مجموعه این نقدها به نشاط، باعث فاصله گرفتن او از فرم رئالیستی شد. فیلم ساخته‌ شده توسط او به نام زنان بدون مردان را نوعی رئالیست جادویی می‌دانند و آثار بعدی او به سورئالیسم نزدیک شده است.زنان خدا شامل سه مجموعه است. در بخش اول، او به بازآفرینی اشعار فروغ پرداخته است. در این مجموعه، تنش‌های فردی زنان مذهبی با نیازهای آزادی خواهانه به تصویر کشیده شده است.در مجموعه‌ی دوم، ریشه‌هایی در اشعار طاهره صفارزاده به چشم می‌خورد و نظر به تغییر مفهوم شهادت دارد. مفهوم شهادت از نظر او در دنیای غرب بسیار ساده شده است.و اما بخش سوم از این مجموعه، به عکس‌های شیرین نشاط در سال ۱۹۹۵ در سفر به ایران باز می‌گردد. مجموعه سوم، کمتر از دو مجموعه دیگر دیده شد. شوکارت شوکارت Wed, 12 Oct 2022 14:06:29 +0330 https://virgool.io/@Shoukart/%D9%85%D8%B9%D8%B1%D9%81%DB%8C-%D8%A7%DB%8C%D9%88-%DA%A9%D9%84%DB%8C%D9%86-yves-klein-u7rvayhqtcxn ایو کلین در سال ۱۹۲۸ در فرانسه و در خانواده‌ای که هر دو والدین او نقاش بودند، متولد شد. ایو کلین، برجسته‌ترین و تاثیرگذارترین نقاش در دهه ۱۹۵۰ میلادی شناخته می‌شود. معروفیت ایو کلین بیشتر به خاطر رنگ آبی و پرفورمنس‌های هنری‌اش است. او که در دوره‌ی زندگی کوتاهش پیشگام پرفورمنس آرت شناخته می‌شد، از همان دوره تا کنون توجه بسیاری از منتقدین را به خود جلب کرده است. نقاشی‌های تک رنگ آبی و آزمایش‌های جسورانه‌ی ایو کلین، دلیل تمامی این توجه‌ها به سمت خود بود. ایو کلین در سن ۳۴ سالگی بر اثر سکته قلبی درگذشت.با شوکارت در ادامه‌ی مقاله و آشنایی بیشتر با این هنرمند برجسته همراه باشید..برای بعضی از هنرمندها، دهه‌ها طول می‌کشد تا به معروفیت برسند اما برخی دیگر در همان ابتدای کار خود، مورد توجه قرار می‌گیرند. ایو کلین از جمله هنرمندانی بود که بسیار زود شناخته شد اما با مرگ زود هنگامش، همگی متاثر شدند.فعالیت هنری کلین از ۱۸ سالگی با یک اثر برجسته به نام سمفونی سکوت یکنواخت آغاز شد. این سمفونی، یک قطعه موسیقی با یک نت به دنبال یک سکوت طولانی بود.این قطعه حدود بیست دقیقه می‌باشد و ناگهان در سکوتی عمیق فرو می‌رود. در فایل زیر یک دقیقه از ابتدای این قطعه موسیقی را برای شما قرار دادیم.ایو کلین، بیشتر به خاطر استفاده از تنها یک رنگ خاص آبی شناخته می‌شود. این رنگ آبی به مرور زمان از آن کلین شد و بعدها به نام آبی بین‌المللی کلین نام گذاری شد.او در مورد رنگ آبی می‌گوید:آبی هیچ ابعادی ندارد ، فراتر از ابعاد است ، در حالی که سایر رنگ ها اینطور نیستند.همه آنها ایده های خاص جمعی را تحریک می کنند ، از نظر روانشناختی ،آبی حداکثرِ دریا و آسمان را نشان می دهد ، و آنها در طبیعت واقعی و معنای انتزاعی ترین هستند... در ابتدا چیزی وجود نداشت، سپس یک نیستی پدید آمد و بعد از آن، آبیِ عمیق.ایو کلین در یکی از پرفورمنس‌های متفاوت خود، قطعه سمفونی سکوت یکنواخت در مقابل یک صد نفر توسط یک ارکستر و گروه کر کوچک به اجرا در اورد. در این اجرا ۳ مدل زنده پرفورمنس را همراهی می‌کردند و در حین اجرا به وسیله‌ی اسفنج‌هایی بدن خود را آبی می‌کردند و سپس خود را روی کاغد بزرگی که روی زمین بود می‌کشیدند. در این اجرا کلین از قلموی زنده برای خلق اثری هنری استفاده کرد. برای ایو کلین وسیله‌ا‌ی که رنگ را به روی بوم میداد دارای اهمیت بود، او توانست تاحدی واسطه‌ی میان انسان و نقاشی را حذف کند و رنگ را مستقیماً از طریق بدن انسان به روی بوم منتقل نماید. در نظر او بدن یک انسان هم نشانه‌ای از زندگی است و هم ناشی شده از آن. هم حضوری خاطرانگیز دارد و هم نشانه‌ای مجرد و غیرمادی است که بعد از ثبت شدن بر روی بوم، دیگر در زمان واقعی وجود ندارد، بر مبنای این دیدگاه از ایو کلین، نقاشی‌های ناشی شده از بدن، نوعی تسخیر انرژی بدن و انتقال آن به روی بوم به منظور ثبت جوهر واقعی انسانی در نقاشی است. پیکره زن‌ها در تابلوهای بدن نگاری فاقد هویت و غیرقابل شناسائی هستند، گوئی که در لحظه‌ای بدن با نقاشی همگن شده است و بدن گریخته و تنها نشانه‌ای چون روح روی بوم بر جای گذاشته است.این ساختارشکنی کلین چه در زمان خود و چه حتی اکنون، اجرایی غیرمعمول محسوب می‌شود.بیشتر کارهای کلین صرف زیبایی شناسی از خلاء شد. احتمالا دلیل این کار و همچنین دلیل ایجاد شدن خلاء در ذهن کلین، تحصیل او در موسسه جودو در ژاپن به مدت ۱۵ سال و همچنین کسب کمربند سیاه درجه ۴ این رشته بود. این دوره از زندگی او به شدت تحت تاثیر فلسفه ذن و همچنین در تماس قرار دادن زندگی او با خلاء در تفکر بودایی و مفهوم سعادت معنوی قرار داشت.نمایشگاهی که کلین در سال ۱۹۵۸ در پاریس برگزار کرد، خلاء نام داشت. در این نمایشگاه، فضای قبل از ورودی گالری آبی رنگ شده بود. همچنین پرده‌های نمایشی، چهارچوب در و پنجره‌ها، فرش ورودی گالری، کارت دعوت نمایشگاه، لباس مخصوص دو گارد دم در و وسایل پذیرایی نیز به رنگ آبی معروف کلین درآمده بودند. اما بعد از این همه آبی، تماشاگران در گالری با یک فضای خالی و به اصطلاح خلاء رو به رو می‌شدند. دیوارها و سقف به رنگ سفید مطلق بودند. در میان نمایشگاه نیز یک میز با پارچه‌ای سفید بر روی آن وجود داشت. در واقع در این نمایشگاه چیزی نبود به جز “خلاء ”این نمایشگاه دارای ۳ رویکرد مرتبط با کلین بود :خلاءرنگ آبیاجراهای موسوم به انسان نگاریایو کلین چهره‌ای آوانگارد از خود ساخته بود. در گالری آپولینر شهر میلان تابلوهای آبی بدون قاب کلین، براساس حساسیت بصری مخاطب قیمت گذاری می‌شد. بدین گونه که تعداد زیادی تابلوی آبی در گالری به نمایش گذاشته شده بود و هرچه مخاطب نقد عمیق‌تری از اثر ارائه می‌داد، مجبور بود مبلغ بیشتری برای خرید آن تابلو بپردازد.امیدواریم از این مقاله تهیه شده در شوکارت لذت برده باشید. شوکارت شوکارت Wed, 28 Sep 2022 16:35:19 +0330 https://virgool.io/@Shoukart/%D9%87%D9%86%D8%B1-%D9%85%D8%B9%D8%A7%D8%B5%D8%B1-ik0euog8puww هنر معاصر، به هنر امروزی گفته می‌شود که در نیمه‌ی دوم قرن بیستم و اوایل قرن بیست و یکم  در نتیجه‌ی رد هنر مدرن (۱۸۶۰ـ۱۹۶۰) که شامل سبک‌ها و رسانه‌ها، پیام‌های مفهومی، سیاسی و اجتماعی، چند فرهنگی و جهانی شدن و تولید شده توسط هنرمندانی است که در قرن بیست و یکم و بیست و دوم زندگی می‌کنند. هنرمندانی که در موسسه‌های هنری مانند شوکارت پرورش می‌یابند و وارد دنیای هنر می‌شوند. هنر معاصر فرصتی برای تأمل در جامعه معاصر و مسائل مربوط به خودمان و جهان اطراف ما فراهم می‌کند و در واقع هنري است که جوهره‌ی آن شامل تمام وجوه امروزي بودن با تمام ویژگی‌هایش است.واژه‌ی هنر در کلمه‌ی هنر معاصر، اشاره به نقاشی، عکاسی، مجسمه‌سازی، پرفورمنس، چیدمان و ویدئو آرت اشاره دارد. در شوکارت شما می‌توانید برخی از این هنرها را به صورت حرفه‌ای و تخصصی آموزش ببینید. معاصر نیز به معنای امروزی است. شاید به ظاهر ساده به نظر برسد اما جزئیات پیرامون این تعریف اغلب کمی برای مخاطبان و هنر دوستان مبهم است. دلیل این ابهام، تفسیرهای گسترده و متفاوت افراد مختلف راجع به کلمه‌ی امروز است.اگر بخواهیم درباره‌ی یکی از مهمترین ویژگی‌های هنر معاصر صحبت کنیم، باید تغییر و وضعیت را در هنر معاصر بیان کنیم. درباره‌ی تغییر و وضعیت در هنر معاصر، می‌توان گفت که هیچ هنرمند معاصری یک شیوه‌ی کار ندارد و به نحوی می‌توان گفت که در هنر معاصر وضعیت، پایدار و مانا نمی‌باشد. وضعیت در این هنر تغییر می‌کند، گذرا است. وضعیت به ‌عنوان یک وجه مهم از هنر معاصر، تصویر نمی‌شود، بلکه ایجاد می‌شود. وضعیت به میانجی ایجاد توجه به مکان، زمان یا فضایی که پیرامون اثر جریان دارد یا اثر بر بستر آن‌ها قرار دارد، ایجاد می‌شود. بیننده در برابر اثر معاصر تماشاگر نیست، تجربه‌گر است و تاویل خود را خواهد داشت. با بیان همین ویژگی‌ها است که ما می‌توانیم میان هنر معاصر و مابقی هنرها از جمله هنر مدرن، تفاوت قائل شویم.ما در هنر معاصر با یک وضعیت بینابینی رو به ‌رو هستیم و از اثر، به ‌عنوان امکان برای تجربه استفاده می‌شود نه به ‌عنوان وسیله‌ای برای بیان نتایج تجربه‌های خود. هنرمند با توجه به دادن ذهن مخاطب به زمان و مکان یک تجربه ثانویه از اثر ایجاد می‌کند. ما با وضعیت بینابینی مواجهیم که در یک پاره ‌خط متناقض شکل می‌گیرد. یکی از مواردی که هنر معاصر بعد از دوران مدرن و پست مدرن تجربه می‌کند، مساله تردید است.کار هنرمندان معاصر، از سه عنصر جهان، تنوع فرهنگی و پیشرفت تکنولوژی تأثیر میپذیرد و آنها با توجه به این سه عنصر کار می‌کنند. هنر آنها ترکیبی جالب از مواد، روش ها، مفاهیم و موضوعات است که مرزهای هنری قرن بیستم را به چالش میکشد.هنر معاصر بخشی از یک فرهنگ است که در ابعادی گسترده‌تر مانند هویت شخصی و فرهنگی، خانواده، اجتماع، ملیت و غیره می‌باشد. در زبان  انگلیسی، کلمه‌ی مدرن و کلمه‌ی معاصر مترادف یکدیگر هستند، که منجر به سردرگمی درباره‌ی اصطلاحات هنر مدرن و هنر معاصر می‌شود. اما باید توجه داشت که این دو کاملا با یکدیگر متفاوتند! می‌توان گفت آثار هنری معاصر با تنوع مواد، فرم، موضوع و حتی دوره‌های زمانی، خاص می‌شوند و این به دلیل عدم وجود یک اصل سازماندهی، ایدئولوژی یا ایسم واحد است که در بسیاری از دوره‌ها و جنبش‌های هنری دیگر دیده می‌شود و باعث ‌تمایز هنر معاصر میگردد! اما به طور کلی می‌توانیم بگوییم چندین موضوع مشترک در آثار معاصر ظاهر شده است، مانند: سیاست، هویت ، بدن ، جهانی شدن و مهاجرت ، فناوری ، جامعه و فرهنگ معاصر ، زمان و حافظه و نقد نهادی و سیاسی!در دنیای امروز ما به جرأت می‌توانیم بگوییم آنقدر هنر معاصر جذاب و مهم است که در شهر استانبول در کشور ترکیه هر ساله نمایشگاهی با عنوان contemporary art یا همان نمایشگاه بین‌المللی هنر معاصر برگزار می‌شود و یکی از برجسته‌ترین نمایشگاه‌های هنری ترکیه به شمار می‌رود. این نمایشگاه از شانزدهمین دوره‌ی برگزاری خود نیز عبور کرده است! این همایش بین‌المللی هرساله از تاریخ ۵ تا ۶ اکتبر به صورت خصوصی و ویژه برگزار می‌شود و از ۷ تا ۱۰ اکتبر ۲۰۲۱ نیز در مکان جدید و مهم “ترسان” که یک کارگاه کشتی ‌سازی تاریخی به جا مانده از دوره امپراتوری عثمانی به نام ترسان استانبول در منطقه بی‌اوغلو است، برگزار شد. این رویداد بین‌المللی بسیار مورد استقبال گالری‌ها، هنر دوستان و بازدیدکنندگان از سرتاسر جهان قرار گرفت!شهر زیبای استانبول هرساله با شروع فصل پاییز، گالری‌های سراسر جهان را گرد هم می‌آورد تا صحنه‌های جذاب هنر معاصر را با حمایت اصلی Akbank که یکی از بزرگ‌ترین بانک‌های ترکیه به شمار می‌رود، به رخ جهانیان بکشد!در این نمایشگاه بین‌المللی، هر سال از سراسر دنیا هنرمندان زیادی شرکت می‌کنند و در سال ۲۰۲۱ با حضور ۵۷ گالری از کشورهای مختلف دنیا از جمله ترکیه، آمریکا، سوئیس، ایتالیا، اسپانیا، روسیه، پرتغال و اوکراین این ‌نمایشگاه آغاز به کار کرد.گالری‌هایی نیز در این نمایشگاه بین‌المللی از طرف ایران شرکت کردند. ۴ گالری خاک، باوان، محسن و ایرانشهر از ایران با بیش از ۳۰ هنرمند و آثار زیادی در این نمایشگاه حضور داشتند. تمامی این گالری‌ها از فضای جذاب و زیبا، هماهنگی و‌مدیریت خوب این نمایشگاه بین‌المللی تعریف کردند!زهرا قیاسی یکی از هنرمندان گالری محسن از واکنش‌های مثبت بازدیدکنندگان در مورد آثار هنرمندان ایرانی گفت: بازخوردهایی که از مخاطبین دریافت کردیم بسیار خوب و تا حدی نیز جالب بود. مخاطبین به ایران علاقه‌ی زیادی نشان می‌دادند و سوالات زیادی می‌پرسیدند. همانطور که در بالا اشاره کردیم، هنر معاصر بخشی از یک فرهنگ است که در ابعادی گسترده‌تر مانند هویت شخصی و فرهنگی، خانواده، اجتماع، ملیت و غیره می‌باشد. به همین دلیل است که گردآوری آثار هنر معاصر از سرتاسر جهان می‌تواند فرصت خوبی براس شناخت و تامل باشد. آثارهنرمندان دیگر گالری‌ها نیز در این نمایشگاه بسیار جلب توجه کرده است.  بازدیدکنندگان می‌گویند که هنرمندان ایرانی از نظر تکنیک بسیار خوب و قوی ظاهر می‌شوند.از هنرمندان دیگری که در این نمایشگاه شرکت کردند می‌توانیم اسامی زیر را نام ببریم: سیامک فیلی ‌زاده، محمد رضا یزدی، داوود زندیان، شایا شهرستانی، سلمان خوش‌رو، رضا بهاروند، مهدی شیر احمدی، فرشید داوودی، ژینوس میثاقی و ثریا شرقی.اگر شما نیز به هنر معاصر علاقه‌مند هستید و به دنبال یادگیری و یا حتی به عنوان یک مخاطب ساده می‌خواهید این هنر را پیگیری کنید، می‌توانید ما را در شوکارت دنبال کنید. شوکارت شوکارت Wed, 14 Sep 2022 17:46:11 +0430